Cronología de cerámica de figura negra

Cronología de cerámica de figura negra



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Biografía de David Drake, un alfarero estadounidense esclavizado

David Drake (1800–1874) fue un influyente artista de cerámica afroamericano, esclavizado desde su nacimiento bajo las familias de alfareros de Edgefield, Carolina del Sur. También conocido como Dave the Potter, Dave Pottery, Dave the Slave o Dave of the Hive, se sabe que ha tenido varios esclavizadores diferentes durante su vida, incluidos Harvey Drake, Reuben Drake, Jasper Gibbs y Lewis Miles. Todos estos hombres estaban relacionados de alguna manera con el empresario cerámico y los hermanos esclavistas, el reverendo John Landrum y el Dr. Abner Landrum.

Conclusiones clave: Dave the Potter

  • Conocido por: Vasos de cerámica firmados extraordinariamente grandes
  • También conocido como: David Drake, Dave el esclavo, Dave de la colmena, Dave Pottery
  • Nació: ca 1800
  • Padres: desconocido
  • Murió: 1874
  • Educación: Enseñado a leer y escribir ollas torneadas por Abner Landrum y / o Harvey Drake
  • Obras publicadas: Al menos 100 macetas firmadas, sin duda muchas más
  • Esposa: Lydia (?)
  • Niños: dos (?)
  • Cita notable: "Me pregunto dónde está toda mi relación amistad con todos y con todas las naciones"

Perfiles en perseverancia

Cada Mes de la Historia Negra, tendemos a celebrar el mismo elenco de figuras históricas. Son los líderes de derechos civiles y abolicionistas cuyos rostros vemos pegados en calendarios y sellos postales. Reaparecen cada febrero cuando la nación conmemora a los afroamericanos que han transformado a Estados Unidos.

Se merecen todos sus elogios. Pero este mes nos centramos en cambio en 28 figuras negras seminales, una por cada día de febrero, que no suelen aparecer en los libros de historia.

Cada uno transformó a Estados Unidos de una manera profunda. Muchos no se ajustan a la definición convencional de héroe. Algunos eran de mal genio, agobiados por demonios personales e incomprendidos por sus contemporáneos.

Uno era un místico, otro era un espía que se hacía pasar por esclavo y otro era un poeta brillante pero con problemas apodado el "Padrino del Rap". Pocos eran nombres familiares. Todos ellos fueron pioneros.

Es hora de que estos héroes estadounidenses obtengan su merecido.

6 de febrero

Gerald Wilson

Un compositor de jazz que redefinió la música de big band

Elegante, vibrante, exuberante: es difícil encontrar una palabra para describir la exuberante música de Gerald Wilson, uno de los líderes de orquesta más importantes de la historia del jazz. Wilson nunca llamó la atención de arreglistas de big band como Duke Ellington, pero también fue un gran innovador en la música jazz.

Wilson, un hombre delgado y entusiasta conocido por su amabilidad personal, prácticamente bailaba cuando dirigía su orquesta. Amante de muchos estilos musicales, incorporó desde blues, Basie y Bartok en sus arreglos.

Si bien muchas grabaciones de big-band suenan anticuadas hoy en día, la música de Wilson todavía suena de vanguardia. Un crítico señaló que la influencia de Wilson era tan amplia que "incluso si nunca había oído hablar de él, a menudo lo escuchaba".

Nacido en Shelby, Mississippi, Wilson aprendió piano de su madre. Comenzó como trompetista, se mudó a Los Ángeles y finalmente se convirtió en compositor y arreglista, trabajando con todos, desde Ellington y Count Basie hasta Ray Charles y Ella Fitzgerald.

En un momento, cuando su carrera prosperaba, Wilson se alejó del éxito comercial para estudiar maestros clásicos como Stravinsky y Bartok.

Wilson es mejor conocido por sus grabaciones en el sello Pacific Jazz, que redefinió la música de big band. Un crítico dijo que la música Pacific Jazz de Wilson estaba llena de "magníficos matices y una elegancia que no se ha igualado desde entonces".

Sus arreglos fueron archivados por la Biblioteca del Congreso y en 1990, el National Endowment for the Arts lo honró con un Jazz Masters Award. Cuando murió a los 96 años, un músico dijo que la energía de Wilson siempre lo hacía parecer la persona más joven de la sala.

—John Blake, CNN Foto: Tom Copi / Michael Ochs Archives / Getty Images

Amelia Boynton Robinson

Su golpiza ayudó a impulsar el movimiento de derechos civiles.

Ella yacía inconsciente en el camino, golpeada y gaseada por la policía estatal de Alabama. Un oficial blanco con un garrote se colocó junto a ella.

La mujer era Amelia Boynton Robinson, y una famosa foto de ese impactante momento ayudó a impulsar el movimiento de derechos civiles. Fue tomada durante la marcha del "Domingo Sangriento" en el Puente Edmund Pettus en Selma, Alabama, el 7 de marzo de 1965.

Ese ataque de oficiales blancos contra manifestantes negros pacíficos horrorizó a la nación y condujo a la aprobación de la Ley de Derechos Electorales. También reveló la dureza de Robinson, apodado "la matriarca del movimiento por el derecho al voto".

"No buscaba notoriedad", dijo Robinson más tarde. "Pero si eso es lo que necesitaba, no me importaba cuántos lamidos conseguía. Simplemente me hizo aún más decidido a luchar por nuestra causa ".

Robinson había estado luchando por los derechos de voto de los negros mucho antes que Selma. Ya en la década de 1930, estaba registrando votantes negros en Alabama, una empresa valiente que podría haberle costado la vida a Robinson en Jim Crow South. En 1964, se convirtió en la primera mujer afroamericana en postularse para el Congreso en Alabama.

El presidente Obama la honró medio siglo después cuando le agarró la mano (estaba frágil para entonces y estaba en silla de ruedas) cuando cruzaron el puente Selma en marzo de 2015 para conmemorar el 50 aniversario del Domingo Sangriento. Robinson murió cinco meses después a los 104 años.

"Ella era tan fuerte, tan esperanzada y tan indomable de espíritu, tan esencialmente estadounidense, como estoy seguro de que lo era ese día hace 50 años", dijo Obama a su muerte. "Honrar el legado de un héroe estadounidense como Amelia Boynton solo requiere que sigamos su ejemplo, que todos luchemos para proteger el derecho al voto de todos".

—Faith Karimi, CNN Foto: Jacquelyn Martin / Associated Press

James Armistead Lafayette

Espiaba al ejército británico como agente doble.

La vida de James Armistead sería una gran película.

Bajo Lafayette, el general francés que ayudó a los colonos estadounidenses a luchar por su libertad, se infiltró en el ejército británico como espía cerca del final de la Guerra Revolucionaria.

Una vez informó a Benedict Arnold, el colono traidor que traicionó a sus tropas para luchar por los británicos. Y proporcionó inteligencia crucial que ayudó a derrotar a los británicos y poner fin a la guerra.

Armistead era esclavo en Virginia en 1781 cuando obtuvo el permiso de su dueño, quien ayudó a abastecer al Ejército Continental, para unirse al esfuerzo bélico. Lafayette lo envió como espía, haciéndose pasar por un esclavo fugitivo, y se unió a las fuerzas británicas en Virginia que valoraban su conocimiento del terreno local.

Una vez que se ganó su confianza, Armistead se movió de un lado a otro entre los campamentos de los dos ejércitos, proporcionando información falsa a los británicos mientras documentaba en secreto sus estrategias y las transmitía a Lafayette.

Su información más crucial detallaba los planes del general británico Charles Cornwallis de trasladar miles de tropas de Portsmouth a Yorktown. Armado con este conocimiento, Lafayette alertó a George Washington, y establecieron un bloqueo alrededor de Yorktown que llevó a la rendición de Cornwallis.

Los legisladores de Virginia, después de presionar a Lafayette, le concedieron la libertad a Armistead en 1787. Su propietario, William Armistead, recibió 250 libras esterlinas.

Armistead se casó, formó una familia y pasó el resto de su vida como un hombre libre en su propia granja de Virginia. Añadió Lafayette a su nombre como muestra de gratitud al general francés. * Algunas fuentes enumeran su año de nacimiento como 1760 y su año de muerte como 1832.

—Faith Karimi, CNN Foto: Corbis vía Getty Images

Mayor Taylor

Un ciclista intrépido que estableció récords mundiales

El ciclismo se ve principalmente como un deporte blanco. Pero uno de los hombres más rápidos en correr sobre dos ruedas fue Marshall Walter “Major” Taylor, un estadounidense que dominó el ciclismo de velocidad a finales del siglo XIX y principios del XX.

Taylor, un ciclista de gran talento, ganó la primera carrera amateur en la que participó, a los 14 años. Se convirtió en profesional cuatro años más tarde y continuó ganando carreras, la mayoría de ellas en pistas ovaladas en el Madison Square Garden y otras arenas en el este de los Estados Unidos.

Pronto Taylor estaba compitiendo en carreras por Europa y Australia, convirtiéndose en el segundo atleta negro en ganar un campeonato mundial en cualquier deporte.

Hizo todo esto mientras luchaba contra los amargos prejuicios raciales, a menudo de ciclistas blancos que se negaban a competir contra él o intentaban hacerle daño durante las carreras. Un rival, después de perder ante Taylor en Boston, lo atacó y lo asfixió hasta dejarlo inconsciente.

“En la mayoría de mis carreras no solo luché por la victoria, sino también por mi vida y mi extremidad”, escribió Taylor en su autobiografía.

Pero esto no le impidió establecer récords mundiales, atraer multitudes y convertirse quizás en el primer atleta famoso de raza negra.

—Brandon Griggs, CNN Foto: Biblioteca del Congreso / Getty Images

Altura de Dorothy

Pasó su vida luchando contra el sexismo y el racismo.

Dorothy Height era a menudo la única mujer en la habitación. Hizo el trabajo de su vida cambiar eso, librando batallas contra el sexismo y el racismo para convertirse, como la llamó el presidente Obama, en la "madrina" del movimiento de derechos civiles.

Height sintió el aguijón del racismo a una edad temprana. Fue aceptada en el Barnard College de Nueva York en 1929, pero se enteró de que no había un lugar para ella porque la escuela ya había llenado su cupo de dos estudiantes negros por año.

En cambio, se inscribió en la Universidad de Nueva York y obtuvo una maestría en psicología educativa. Esto la llevó a una carrera como trabajadora social en Nueva York y Washington, donde ayudó a dirigir la YWCA y el Movimiento Juvenil Cristiano Unido.

En 1958, Height se convirtió en presidenta del Consejo Nacional de Mujeres Negras, cargo que ocupó durante más de 40 años. En ese papel, luchó incansablemente por la eliminación de la segregación, la vivienda asequible, la reforma de la justicia penal y otras causas.

En la década de 1960, Height se había convertido en uno de los asesores clave del Dr. Martin Luther King Jr. Los historiadores dicen que, como organizadora de la Marcha en Washington, fue la única mujer activista en la plataforma de oradores durante el discurso "Tengo un sueño" de King.

Los historiadores dicen que sus contribuciones al movimiento de derechos civiles se pasaron por alto en ese momento debido a su sexo. Pero en el momento de su muerte en 2010, Height había ocupado su lugar entre las figuras imponentes del movimiento.

“Ella fue verdaderamente una pionera, y debe ser recordada como una de esas almas valientes y valientes que nunca se rindieron”, dijo una vez el representante John Lewis. "Era feminista y una importante portavoz de los derechos de las mujeres mucho antes de que existiera un movimiento de mujeres".

—Nicole Chavez, CNN Foto: Bettmann Archive / Getty Images

Garrett Morgan

Sus inventos hicieron que el mundo fuera más seguro

Hijo de dos ex esclavos, Garrett Morgan tenía poco más que una educación primaria.

Pero eso no impidió que el hombre de Ohio se convirtiera en un inventor con un don poco común para diseñar máquinas que salvaron la vida de las personas, incluida una versión temprana del semáforo.

Cuando era adolescente, Morgan consiguió un trabajo reparando máquinas de coser, lo que lo llevó a su primer invento, una máquina de coser renovada, y su primera aventura empresarial: su propio negocio de reparación.

Pronto estuvo inventando otros productos, incluida una plancha de pelo para afroamericanos. En 1916, patentó una "capucha de seguridad", un dispositivo de respiración personal que protegía a los mineros y bomberos del humo y los gases nocivos. Se convirtió en el precursor de las máscaras de gas utilizadas por los soldados durante la Primera Guerra Mundial.

Para evitar la resistencia racista a su producto, Morgan contrató a un actor blanco para que se hiciera pasar por el inventor mientras él usaba la capucha durante las presentaciones a compradores potenciales.

Más tarde, después de presenciar un accidente automovilístico y de buggy, Morgan se inspiró para crear un semáforo que tuviera tres señales: "parar", "seguir" y "parar en todas las direcciones", para permitir que los peatones crucen la calle de forma segura.

También tenía una luz de advertencia, ahora la luz amarilla de hoy, para advertir a los conductores que pronto tendrían que detenerse. Su semáforo fue patentado en 1923 y Morgan finalmente vendió su diseño por $ 40,000 a General Electric.

Su legado se puede ver hoy en las intersecciones de todo el país y el mundo.


EL JUICIO DE PARIS fue un concurso entre las tres diosas más bellas del Olimpo & # 8211Aphrodite, Hera y Athena & # 8211 por el premio de una manzana dorada dirigida & # 8220To the Fair. & # 8221. Eligió a Afrodita, convencido por su promesa de otorgarle a Helene, la mujer más hermosa, por esposa.

Materiales y métodos de pintura En las paredes, los métodos de pintura eran témpera y fresco sobre madera y mármol, témpera y encáustica & # 8211 una técnica en la que los colores se mezclaban con cera, se aplicaban a la superficie y luego se `quemaban en & # 8217 con un rojo -caña caliente.


La figura negra en el arte del siglo XVIII

El medallón de Wedgwood fue la imagen más famosa de una persona negra en todo el arte del siglo XVIII. Josiah Wedgwood, el ceramista de renombre de Gran Bretaña, era un hombre de conciencia, profundamente interesado en las consecuencias de la Guerra de Independencia de Estados Unidos y la Revolución Francesa.

Su amistad con Thomas Clarkson, activista abolicionista y primer historiador del movimiento abolicionista británico, despertó su interés por la esclavitud. Wedgwood copió el diseño original de la Sociedad para Efectuar la Abolición del Comercio de Esclavos como un cameo en blanco y negro. La inscripción '¿No soy un hombre y un hermano? 'se convirtió en el eslogan de los abolicionistas británicos y estadounidenses. Incluso se enviaron medallones en 1788 a Benjamin Franklin, que entonces era presidente de la Sociedad de Abolición de Pensilvania.

La imagen se reprodujo ampliamente en objetos domésticos como la vajilla y también se hizo popular en los accesorios de moda. Según Clarkson, los caballeros tenían la imagen "incrustada en oro en la tapa de sus cajas de rapé". Varias de las damas las llevaban en brazaletes y otras las tenían arregladas de manera ornamental como alfileres para el cabello. Al final, el gusto por llevarlos se generalizó y, por tanto, la moda, que por lo general se limita a cosas sin valor, se vio por una vez en el honorable oficio de promover la causa de la justicia, la humanidad y la libertad ”.

Aunque la figura negra arrodillada es dócil y suplicante (no refleja nada de las frecuentes rebeliones feroces de los esclavos en las plantaciones del Nuevo Mundo), la imagen ayudó a galvanizar el apoyo a la causa abolicionista. Benjamín Franklin declaró que la eficacia del medallón era "igual a la del Panfleto mejor escrito, en procurar el favor de aquellos pueblos oprimidos".


Contenido

El interés por el arte griego se quedó atrás del resurgimiento de la erudición clásica durante el Renacimiento y revivió en el círculo académico alrededor de Nicolas Poussin en Roma en la década de 1630. Aunque en los siglos XV y XVI se hicieron colecciones modestas de jarrones recuperados de tumbas antiguas en Italia, estos se consideraron etruscos. Es posible que Lorenzo de Medici comprara varios vasos áticos directamente de Grecia [3], sin embargo, la conexión entre ellos y los ejemplos excavados en el centro de Italia no se estableció hasta mucho más tarde. De Winckelmann Geschichte der Kunst des Alterthums de 1764 refutó por primera vez el origen etrusco de lo que ahora sabemos que es cerámica griega [4], sin embargo, las dos colecciones de Sir William Hamilton, una perdida en el mar y la otra ahora en el Museo Británico, todavía se publicaron como "vasijas etruscas". 1837 con Stackelberg Gräber der Hellenen para poner fin de manera concluyente a la controversia. [5]

Gran parte del estudio inicial de los vasos griegos tomó la forma de producción de álbumes de las imágenes que representan, sin embargo, ni los folios de D'Hancarville ni los de Tischbein registran las formas ni intentan proporcionar una fecha y, por lo tanto, no son fiables como registro arqueológico. Los intentos serios de estudios académicos lograron un progreso constante durante el siglo XIX, comenzando con la fundación del Instituto di Corrispondenza en Roma en 1828 (más tarde el Instituto Arqueológico Alemán), seguido por el estudio pionero de Eduard Gerhard. Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 a 1858), el establecimiento de la revista Archaeologische Zeitung en 1843 y el Ecole d'Athens 1846. Gerhard fue el primero en esbozar la cronología que usamos ahora, a saber: orientalizante (geométrica, arcaica), figura negra, figura roja, policromática (helenística).

Finalmente fue el catálogo de Otto Jahn de 1854 Vasensammlung de la Pinakothek, Munich, que estableció el estándar para la descripción científica de la cerámica griega, registrando las formas e inscripciones con una fastidiosidad nunca antes vista. El estudio de Jahn fue el libro de texto estándar sobre la historia y cronología de la cerámica griega durante muchos años, sin embargo, al igual que Gerhard, fechó la introducción de la técnica de la figura roja a un siglo más tarde de lo que fue en realidad el caso. Este error se corrigió cuando el Aρχαιολογικη 'Εταιρεια emprendió la excavación de la Acrópolis en 1885 y descubrió los llamados "restos persas" de vasijas de figuras rojas destruidas por los invasores persas en 480 a. C. Con una cronología más sólidamente establecida, Adolf Furtwängler y sus estudiantes en las décadas de 1880 y 90 pudieron fechar los estratos de sus excavaciones arqueológicas por la naturaleza de la cerámica encontrada dentro de ellas, un método de seriación que Flinders Petrie aplicaría más tarde a los sin pintar. Cerámica egipcia.

Mientras que el siglo XIX fue un período de descubrimiento griego y el establecimiento de los primeros principios, el siglo XX ha sido de consolidación e industria intelectual. Los esfuerzos para registrar y publicar la totalidad de las colecciones públicas de jarrones comenzaron con la creación del Corpus vasorum antiquorum bajo Edmond Pottier y el archivo Beazley de John Beazley.

Beazley y otros que lo siguieron también han estudiado fragmentos de cerámica griega en colecciones institucionales y han atribuido muchas piezas pintadas a artistas individuales. Los eruditos han llamado a estos fragmentos disjecta membrana (Latín para "partes dispersas") y en varios casos se han podido identificar fragmentos ahora en diferentes colecciones que pertenecen al mismo jarrón. [6]

Los nombres que usamos para las formas de jarrones griegos son a menudo una cuestión de convención más que un hecho histórico, algunos ilustran su propio uso o están etiquetados con sus nombres originales, otros son el resultado de los primeros arqueólogos que intentaron reconciliar el objeto físico con un conocido. nombre de la literatura griega, no siempre con éxito. Para comprender la relación entre forma y función, la cerámica griega se puede dividir en cuatro categorías amplias, que se dan aquí con tipos comunes: [2] [7] [8]

  • recipientes de almacenamiento y transporte, incluidos ánforas, pithos, pelike, hydria, pyxis,
  • recipientes de mezcla, principalmente para simposios o fiestas de hombres bebiendo, incluido el cráter y los dinosaurios,
  • jarras y tazas, varios tipos de kylix también llamados simplemente tazas, kantharos, phiale, skyphos, oinochoe y loutrophoros,
  • jarrones para aceites, perfumes y cosméticos, incluidos los grandes lekytos, y los pequeños aryballos y alabastron.

Además de estas funciones utilitarias, ciertas formas de vasijas se asociaron especialmente con los rituales, otras con el atletismo y el gimnasio. [9] No se conocen todos sus usos, pero cuando hay incertidumbre, los estudiosos hacen buenas conjeturas sobre el uso que habría tenido una pieza. Algunos tienen una función puramente ritual, por ejemplo

Algunas vasijas fueron diseñadas como marcadores de tumbas. Los cráteres marcaban los lugares de los machos y las ánforas marcaban los de las hembras. [10] Esto les ayudó a sobrevivir, y es por eso que algunos representan procesiones fúnebres. [11] El lekythoi de tierra blanca contenía el aceite utilizado como ofrendas funerarias y parece haber sido hecho únicamente con ese objeto en mente. Muchos ejemplares tienen una segunda taza oculta en su interior para dar la impresión de estar llenos de aceite, por lo que no habrían servido para ningún otro beneficio útil.

Había un mercado internacional de cerámica griega desde el siglo VIII a. C., que Atenas y Corinto dominaron hasta finales del siglo IV a. C. [12] Se puede obtener una idea del alcance de este comercio trazando los mapas de hallazgo de estos jarrones fuera de Grecia, aunque esto no podría explicar los obsequios o la inmigración. Solo la existencia de un mercado de segunda mano podría explicar el número de panathenaics encontrados en las tumbas etruscas. Los productos del sur de Italia llegaron a dominar el comercio de exportación en el Mediterráneo occidental cuando Atenas perdió importancia política durante el período helenístico.

El proceso de hacer una olla y hornearla es bastante simple. Lo primero que necesita un alfarero es arcilla. La arcilla con alto contenido de hierro de Attica le dio a sus ollas un color naranja. [13]

Fabricación Editar

Levigation Editar

Cuando la arcilla se extrae por primera vez del suelo, está llena de rocas, conchas y otros elementos inútiles que deben eliminarse. Para hacer esto, el alfarero mezcla la arcilla con agua y deja que todas las impurezas se hundan hasta el fondo. A esto se le llama levigación o elutriación. Este proceso se puede realizar muchas veces. Cuantas más veces se hace esto, la arcilla se vuelve más suave.

Rueda Editar

Luego, el alfarero amasa la arcilla y la coloca en un torno. Una vez que la arcilla está en el torno, el alfarero puede darle forma a cualquiera de las muchas formas que se muestran a continuación, o cualquier otra cosa que desee. La cerámica hecha con ruedas se remonta aproximadamente al 2500 a. C., donde antes se empleaba el método de bobina para construir las paredes de la olla. La mayoría de los jarrones griegos estaban hechos con ruedas, aunque al igual que con los Rhyton, también se encuentran piezas hechas con moldes (las llamadas piezas "plásticas") y se agregaron elementos decorativos hechos a mano o con molde a las ollas arrojadas. Las piezas más complejas se realizaban en partes y luego se ensamblaban cuando era cuero duro mediante uniones con un engobe, donde el alfarero regresaba al torno para dar forma o torneado final. A veces, un joven ayudó a girar el volante. [15] [16]

Deslizamiento de arcilla Editar

Una vez hecha la olla, el alfarero la pinta con una barbotina de arcilla de grano ultrafino, la pintura se aplica en las áreas que se pretenden volver negras después de la cocción, de acuerdo con los dos estilos diferentes, es decir, la figura negra y la figura roja. [17] Para la decoración, los pintores de jarrones utilizaban pinceles de diferente grosor, herramientas puntiagudas para las incisiones y probablemente herramientas de un solo cabello para las líneas en relieve [18]

Una serie de estudios analíticos han demostrado que el llamativo brillo negro con brillo metálico, tan característico de la cerámica griega, surgió de la fracción coloidal de una arcilla ilícita con muy bajo contenido de óxido de calcio. Esta barbotina de arcilla era rica en óxidos e hidróxidos de hierro, lo que se diferenciaba de la utilizada para el cuerpo de la vasija en cuanto al contenido de calcio, la composición mineral exacta y el tamaño de partícula. La suspensión de arcilla fina utilizada para la pintura se produjo mediante el uso de varios aditivos defloculantes de la arcilla (potasa, urea, heces de vino, cenizas de huesos, cenizas de algas, etc.) o recogiéndola in situ de lechos de arcilla ilícita después de períodos de lluvia. Estudios recientes han demostrado que algunos oligoelementos en el esmalte negro (es decir, Zn en particular) pueden ser característicos de los lechos de arcilla utilizados en la antigüedad. En general, diferentes equipos de estudiosos sugieren diferentes enfoques con respecto a la producción de la barbotina de arcilla utilizada en la antigüedad. [19] [20] [21]

Disparo Editar

La cerámica griega, a diferencia de la cerámica actual, solo se horneaba una vez, con un proceso muy sofisticado. [22] El efecto de color negro se logró mediante el cambio de la cantidad de oxígeno presente durante la cocción. Esto se realizó en un proceso conocido como cocción trifásica que involucra condiciones alternas de oxidación-reducción. Primero, el horno se calentó a alrededor de 920-950 ° C, con todas las rejillas de ventilación abiertas, llevando oxígeno a la cámara de cocción y volviendo tanto la olla como el deslizamiento de un marrón rojizo (condiciones oxidantes) debido a la formación de hematita (Fe2O3) tanto en la pintura como en la masa de arcilla. Luego se cerró el respiradero y se introdujo madera verde, creando monóxido de carbono que convierte la hematita roja en magnetita negra (Fe3O4) en esta etapa la temperatura disminuye debido a una combustión incompleta. En una fase de reoxidación final (a unos 800-850 ° C), se abrió el horno y se reintrodujo oxígeno, lo que provocó que la arcilla reservada sin engobe volviera a ser de color rojo anaranjado mientras que el área deslizada en el vaso que había sido sinterizado / vitrificado en la fase anterior , ya no se podía oxidar y permanecía negro.

Si bien la descripción de una cocción única con tres etapas puede parecer económica y eficiente, algunos estudiosos afirman que es igualmente posible que cada una de estas etapas se limitara a cocciones separadas [23] en las que la cerámica se somete a múltiples cocciones, de diferente atmósfera. . En cualquier caso, la fiel reproducción del proceso que implicó un extenso trabajo experimental que llevó a la creación de una moderna unidad de producción en Atenas desde el año 2000, [24] ha demostrado que los jarrones antiguos pueden haber sido sometidos a múltiples cocciones en tres etapas después del repintado. o como un intento de corregir fallas de color [19] La técnica que se conoce principalmente como la "técnica de reducción de hierro" fue decodificada con la contribución de estudiosos, ceramistas y científicos desde mediados del siglo XVIII en adelante hasta finales del siglo XX, es decir Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns y Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies ( 1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Estudios más recientes de Walton et al. (2009), Walton et al. (2014), Lühl et al. (2014) y Chaviara & amp Aloupi-Siotis (2016) mediante el uso de técnicas analíticas avanzadas proporcionan información detallada sobre el proceso y las materias primas utilizadas. [25]

Pintura de jarrones Editar

El aspecto más familiar de la cerámica griega antigua son las vasijas pintadas de excelente calidad. Éstas no eran la cerámica de uso diario que usaba la mayoría de las personas, pero eran lo suficientemente baratas como para ser accesibles a una amplia gama de la población.

Pocos ejemplos de pintura griega antigua han sobrevivido, por lo que los estudiosos modernos tienen que rastrear el desarrollo del arte griego antiguo en parte a través de la pintura de vasijas griegas antiguas, que sobrevive en grandes cantidades y es también, con la literatura griega antigua, la mejor guía que tenemos para la costumbre. vida y mente de los antiguos griegos.

Edad de Piedra Editar

La cerámica griega se remonta a la Edad de Piedra, como las que se encuentran en Sesklo y Dimini.

Edad de Bronce Editar

La pintura más elaborada sobre la cerámica griega se remonta a la cerámica minoica y la cerámica micénica de la Edad del Bronce, algunos ejemplos posteriores muestran la ambiciosa pintura figurativa que se convertiría en altamente desarrollada y típica.

Edad de Hierro Editar

Después de muchos siglos dominados por estilos de decoración geométrica, volviéndose cada vez más complejos, los elementos figurativos volvieron con fuerza en el siglo VIII. Desde finales del siglo VII hasta aproximadamente el 300 a. C., los estilos en evolución de la pintura con figuras estuvieron en su punto máximo de producción y calidad y se exportaron ampliamente.

Durante la Edad Oscura griega, que abarca los siglos XI al VIII a. C., el estilo temprano predominante fue el del arte protogeométrico, que utilizaba predominantemente patrones decorativos circulares y ondulados. Esto fue logrado en la Grecia continental, el Egeo, Anatolia e Italia por el estilo de cerámica conocido como arte geométrico, que empleaba ordenadas filas de formas geométricas. [26]

El período de la Grecia arcaica, que comienza en el siglo VIII a. C. y duró hasta finales del siglo V a. C., vio el nacimiento del período orientalizante, liderado en gran parte por la antigua Corinto, donde las figuras de palitos anteriores de la cerámica geométrica se desarrollaron en medio de motivos que reemplazó los patrones geométricos. [12]

La decoración de cerámica clásica está dominada principalmente por la pintura de jarrones áticos. La producción ática fue la primera en reanudarse después de la Edad Oscura griega e influyó en el resto de Grecia, especialmente Beocia, Corinto, las Cícladas (en particular Naxos) y las colonias jónicas en el este del Egeo. [27] La ​​producción de jarrones era en gran parte una prerrogativa de Atenas; está bien atestiguado que en Corinto, Beocia, Argos, Creta y las Cícladas, los pintores y alfareros se conformaron con seguir el estilo ático. Al final del período Arcaico, los estilos de cerámica de figuras negras, cerámica de figuras rojas y la técnica de fondo blanco se habían establecido por completo y continuarían en uso durante la era de la Grecia clásica, desde principios del siglo V hasta finales del siglo IV a.C. Corinto fue eclipsada por las tendencias atenienses, ya que Atenas fue la progenitora de los estilos de figuras rojas y de fondo blanco. [12]

Estilos protogeométricos Editar

Los jarrones del período protogeométrico (c. 1050–900 a. C.) representan el regreso de la producción artesanal después del colapso de la cultura del palacio micénico y la subsiguiente edad oscura griega. Es una de las pocas formas de expresión artística además de la joyería en este período ya que desconocemos la escultura, la arquitectura monumental y la pintura mural de esta época. Hacia el 1050 a. C., la vida en la península griega parece haberse estabilizado lo suficiente como para permitir una mejora notable en la producción de loza. El estilo se limita a la representación de círculos, triángulos, líneas onduladas y arcos, pero colocado con una consideración evidente y una destreza notable, probablemente con la ayuda de la brújula y múltiples pinceles. [28] El sitio de Lefkandi es una de nuestras fuentes más importantes de cerámica de este período, donde se ha encontrado un alijo de ajuares funerarios que dan evidencia de un estilo protogeométrico distintivo de Eubea que duró hasta principios del siglo VIII. [29]

Estilo geométrico Editar

El arte geométrico floreció en los siglos IX y VIII a. C. Se caracterizó por nuevos motivos, rompiendo con la representación de los períodos minoico y micénico: meandros, triángulos y otra decoración geométrica (de ahí el nombre del estilo) a diferencia de las figuras predominantemente circulares del estilo anterior. Sin embargo, nuestra cronología para esta nueva forma de arte proviene de productos exportados que se encuentran en contextos datables en el extranjero.

En el estilo geométrico temprano (aproximadamente 900-850 a. C.) sólo se encuentran motivos abstractos, en lo que se llama el estilo "Dipylon negro", que se caracteriza por el uso extensivo de barniz negro, con la geometría media (aproximadamente 850-770 a. C. ), hace su aparición la decoración figurativa: inicialmente son bandas idénticas de animales como caballos, ciervos, cabras, gansos, etc. que se alternan con las bandas geométricas. Paralelamente, la decoración se complica y se vuelve cada vez más ornamentada, el pintor se resiste a dejar espacios vacíos y los llena de meandros o esvásticas. Esta fase se llama horror vacui (miedo al vacío) y no cesará hasta el final del período geométrico.

A mediados de siglo comienzan a aparecer figuras humanas, cuyas representaciones más conocidas son las de los vasos hallados en Dipylon, uno de los cementerios de Atenas. Los fragmentos de estos grandes vasos funerarios muestran principalmente procesiones de carros o guerreros o de las escenas funerarias: πρόθεσις / prothesis (exposición y lamentación de los muertos) o ἐκφορά / ekphora (transporte del ataúd al cementerio). Los cuerpos están representados de forma geométrica a excepción de las pantorrillas, que son bastante protuberantes. En el caso de los soldados, un escudo en forma de diábolo, llamado “escudo dipylon” por su dibujo característico, cubre la parte central del cuerpo. Las piernas y los cuellos de los caballos, las ruedas de los carros están representados uno al lado del otro sin perspectiva. La mano de este pintor, llamado así en ausencia de firma, es el Dipylon Master, se pudo identificar en varias piezas, en particular ánforas monumentales. [31]

At the end of the period there appear representations of mythology, probably at the moment when Homer codifies the traditions of Trojan cycle in the Ilíada y el Odisea. Here however the interpretation constitutes a risk for the modern observer: a confrontation between two warriors can be a Homeric duel or simple combat a failed boat can represent the shipwreck of Odysseus or any hapless sailor.

Lastly, are the local schools that appear in Greece. Production of vases was largely the prerogative of Athens – it is well attested that as in the proto-geometrical period, in Corinth, Boeotia, Argos, Crete and Cyclades, the painters and potters were satisfied to follow the Attic style. From about the 8th century BC on, they created their own styles, Argos specializing in the figurative scenes, Crete remaining attached to a more strict abstraction. [32]

Orientalizing style Edit

The orientalizing style was the product of cultural ferment in the Aegean and Eastern Mediterranean of the 8th and 7th centuries BC. Fostered by trade links with the city-states of Asia Minor, the artifacts of the East influenced a highly stylized yet recognizable representational art. Ivories, pottery and metalwork from the Neo-Hittite principalities of northern Syria and Phoenicia found their way to Greece, as did goods from Anatolian Urartu and Phrygia, yet there was little contact with the cultural centers of Egypt or Assyria. The new idiom developed initially in Corinth (as Proto-Corinthian) and later in Athens between 725 BC and 625 BC (as Proto-Attic). [33]

It was characterized by an expanded vocabulary of motifs: sphinx, griffin, lions, etc., as well as a repertory of non-mythological animals arranged in friezes across the belly of the vase. In these friezes, painters also began to apply lotuses or palmettes. Depictions of humans were relatively rare. Those that have been found are figures in silhouette with some incised detail, perhaps the origin of the incised silhouette figures of the black-figure period. There is sufficient detail on these figures to allow scholars to discern a number of different artists' hands. Geometrical features remained in the style called proto-Corinthian that embraced these Orientalizing experiments, yet which coexisted with a conservative sub-geometric style.

The ceramics of Corinth were exported all over Greece, and their technique arrived in Athens, prompting the development of a less markedly Eastern idiom there. During this time described as Proto-Attic, the orientalizing motifs appear but the features remain not very realistic. The painters show a preference for the typical scenes of the Geometrical Period, like processions of chariots. However, they adopt the principle of line drawing to replace the silhouette. In the middle of the 7th century BC, there appears the black and white style: black figures on a white zone, accompanied by polychromy to render the color of the flesh or clothing. Clay used in Athens was much more orange than that of Corinth, and so did not lend itself as easily to the representation of flesh. Attic Orientalising Painters include the Analatos Painter, the Mesogeia Painter and the Polyphemos Painter.

Crete, and especially the islands of the Cyclades, are characterized by their attraction to the vases known as “plastic”, i.e. those whose paunch or collar is moulded in the shape of head of an animal or a man. At Aegina, the most popular form of the plastic vase is the head of the griffin. The Melanesian amphoras, manufactured at Paros, exhibit little knowledge of Corinthian developments. They present a marked taste for the epic composition and a horror vacui, which is expressed in an abundance of swastikas and meanders.

Finally one can identify the last major style of the period, that of Wild Goat Style, allotted traditionally to Rhodes because of an important discovery within the necropolis of Kameiros. In fact, it is widespread over all of Asia Minor, with centers of production at Miletos and Chios. Two forms prevail oenochoes, which copied bronze models, and dishes, with or without feet. The decoration is organized in superimposed registers in which stylized animals, in particular of feral goats (from whence the name) pursue each other in friezes. Many decorative motifs (floral triangles, swastikas, etc.) fill the empty spaces.

Black-figure technique Edit

Black-figure is the most commonly imagined when one thinks about Greek pottery. It was a popular style in ancient Greece for many years. The black-figure period coincides approximately with the era designated by Winckelmann as the middle to late Archaic, from c. 620 to 480 BC. The technique of incising silhouetted figures with enlivening detail which we now call the black-figure method was a Corinthian invention of the 7th century [34] and spread from there to other city states and regions including Sparta, [35] Boeotia, [36] Euboea, [37] the east Greek islands [38] and Athens.

The Corinthian fabric, extensively studied by Humfry Payne [39] and Darrell Amyx, [40] can be traced though the parallel treatment of animal and human figures. The animal motifs have greater prominence on the vase and show the greatest experimentation in the early phase of Corinthian black-figure. As Corinthian artists gained confidence in their rendering of the human figure the animal frieze declined in size relative to the human scene during the middle to late phase. By the mid-6th century BC, the quality of Corinthian ware had fallen away significantly to the extent that some Corinthian potters would disguise their pots with a red slip in imitation of superior Athenian ware.

At Athens researchers have found the earliest known examples of vase painters signing their work, the first being a dinos by Sophilos (illus. below, BM c. 580), this perhaps indicative of their increasing ambition as artists in producing the monumental work demanded as grave markers, as for example with Kleitias's François Vase. Many scholars consider the finest work in the style to belong Exekias and the Amasis Painter, who are noted for their feeling for composition and narrative.

Circa 520 BC the red-figure technique was developed and was gradually introduced in the form of the bilingual vase by the Andokides Painter, Oltos and Psiax. [41] Red-figure quickly eclipsed black-figure, yet in the unique form of the Panathanaic Amphora, black-figure continued to be utilised well into the 4th century BC.

Red-figure technique Edit

The innovation of the red-figure technique was an Athenian invention of the late 6th century. It was quite the opposite of black-figure which had a red background. The ability to render detail by direct painting rather than incision offered new expressive possibilities to artists such as three-quarter profiles, greater anatomical detail and the representation of perspective.

The first generation of red-figure painters worked in both red- and black-figure as well as other methods including Six's technique and white-ground the latter was developed at the same time as red-figure. However, within twenty years, experimentation had given way to specialization as seen in the vases of the Pioneer Group, whose figural work was exclusively in red-figure, though they retained the use of black-figure for some early floral ornamentation. The shared values and goals of The Pioneers such as Euphronios and Euthymides signal that they were something approaching a self-conscious movement, though they left behind no testament other than their own work. John Boardman said of the research on their work that "the reconstruction of their careers, common purpose, even rivalries, can be taken as an archaeological triumph" [42]

The next generation of late Archaic vase painters (c. 500 to 480 BC) brought an increasing naturalism to the style as seen in the gradual change of the profile eye. This phase also sees the specialization of painters into pot and cup painters, with the Berlin and Kleophrades Painters notable in the former category and Douris and Onesimos in the latter.

By the early to high classical era of red-figure painting (c. 480–425 BC), a number of distinct schools had evolved. The Mannerists associated with the workshop of Myson and exemplified by the Pan Painter hold to the archaic features of stiff drapery and awkward poses and combine that with exaggerated gestures. By contrast, the school of the Berlin Painter in the form of the Achilles Painter and his peers (who may have been the Berlin Painter's pupils) favoured a naturalistic pose usually of a single figure against a solid black background or of restrained white-ground lekythoi. Polygnotos and the Kleophon Painter can be included in the school of the Niobid Painter, as their work indicates something of the influence of the Parthenon sculptures both in theme (e.g., Polygnotos's centauromachy, Brussels, Musées Royaux A. & Hist., A 134) and in feeling for composition.

Toward the end of the century, the "Rich" style of Attic sculpture as seen in the Nike Balustrade is reflected in contemporary vase painting with an ever-greater attention to incidental detail, such as hair and jewellery. The Meidias Painter is usually most closely identified with this style.

Vase production in Athens stopped around 330–320 BC possibly due to Alexander the Great's control of the city, and had been in slow decline over the 4th century along with the political fortunes of Athens itself. However, vase production continued in the 4th and 3rd centuries in the Greek colonies of southern Italy where five regional styles may be distinguished. These are the Apulian, Lucanian, Sicilian, Campanian and Paestan. Red-figure work flourished there with the distinctive addition of polychromatic painting and in the case of the Black Sea colony of Panticapeum the gilded work of the Kerch Style. Several noteworthy artists' work comes down to us including the Darius Painter and the Underworld Painter, both active in the late 4th century, whose crowded polychromatic scenes often essay a complexity of emotion not attempted by earlier painters. Their work represents a late mannerist phase to the achievement of Greek vase painting.

White ground technique Edit

The white-ground technique was developed at the end of the 6th century BC. Unlike the better-known black-figure and red-figure techniques, its coloration was not achieved through the application and firing of slips but through the use of paints and gilding on a surface of white clay. It allowed for a higher level of polychromy than the other techniques, although the vases end up less visually striking. The technique gained great importance during the 5th and 4th centuries, especially in the form of small lekythoi that became typical grave offerings. Important representatives include its inventor, the Achilles Painter, as well as Psiax, the Pistoxenos Painter, and the Thanatos Painter.

Relief and plastic vases Edit

Relief and plastic vases became particularly popular in the 4th century BC and continued being manufactured in the Hellenistic period. They were inspired by the so-called "rich style" developed mainly in Attica after 420 BC. The main features were the multi-figured compositions with use of added colours (pink/reddish, blue, green, gold)and an emphasis on female mythological figures. Theatre and performing constituted yet one more source of inspiration.

Delphi Archaeological Museum has some particularly good examples of this style, including a vase with Aphrodite and Eros. The base is round, cylindrical, and its handle vertical, with bands, covered with black colour. The female figure (Aphrodite) is depicted seated, wearing an himation. Next to her stands a male figure, naked and winged. Both figures wear wreaths made of leaves and their hair preserve traces of golden paint. The features of their faces are stylized. The vase has a white ground and maintains in several parts the traces of bluish, greenish and reddish paint. It dates to the 4th century BC.

In the same room is kept a small lekythos with a plastic decoration, depicting a winged dancer. The figure wears a Persian head cover and an oriental dress, indicating that already in that period oriental dancers, possibly slaves, had become quite fashionable. The figure is also covered with a white colour. The total height of the vase is 18 centimeters and it dates to the 4th century BC.

Hellenistic period Edit

The Hellenistic period, ushered in by the conquests of Alexander the Great, saw the virtual disappearance of black and red-figure pottery yet also the emergence of new styles such as West Slope Ware in the east, the Centuripe Ware in Sicily, and the Gnathia vases to the west. [43] Outside of mainland Greece other regional Greek traditions developed, such as those in Magna Graecia with the various styles in South Italy, including Apulian, Lucanian, Paestan, Campanian, and Sicilian. [12]

Inscriptions on Greek pottery are of two kinds the incised (the earliest of which are contemporary with the beginnings of the Greek alphabet in the 8th century BC), and the painted, which only begin to appear a century later. Both forms are relatively common on painted vases until the Hellenistic period when the practice of inscribing pots seems to die out. They are by far most frequently found on Attic pottery.

A number of sub-classes of inscription can be distinguished. Potters and painters occasionally signed their works with epoiesen y egraphsen respectivamente. Trademarks are found from the start of the 6th century on Corinthian pieces these may have belonged to an exporting merchant rather than the pottery workfield and this remains a matter of conjecture.) Patrons' names are also sometimes recorded, as are the names of characters and objects depicted. At times we may find a snatch of dialogue to accompany a scene, as in ‘Dysniketos's horse has won’, announces a herald on a Panathenaic amphora (BM, B 144). More puzzling, however, are the kalos and kalee inscriptions, which might have formed part of courtship ritual in Athenian high society, yet are found on a wide variety of vases not necessarily associated with a social setting. Finally there are abecedaria and nonsense inscriptions, though these are largely confined to black-figure pots. [44]

Greek terracotta figurines were another important type of pottery, initially mostly religious, but increasingly representing purely decorative subjects. The so-called Tanagra figurines, in fact made elsewhere as well, are one of the most important types. Earlier figurines were usually votive offerings at temples.

Several clay vases owed their inspiration to metalwork forms in bronze, silver and sometimes gold. These were increasingly used by the elite when dining, but were not placed in graves, where they would have been robbed, and were often treated as a store of value to be traded as bullion when needed. Very few metal vessels have survived as at some point they were melted down and the metal reused.

In recent decades many scholars have questioned the conventional relationship between the two materials, seeing much more production of painted vases than was formerly thought as made to be placed in graves, as a cheaper substitute for metalware in both Greece and Etruria. The painting itself may also copy that on metal vessels more closely than was thought. [45]

The Derveni Krater, from near Thessaloniki, is a large bronze volute krater from about 320 BC, weighing 40 kilograms, and finely decorated with a 32-centimetre-tall frieze of figures in relief representing Dionysus surrounded by Ariadne and her procession of satyrs and maenads.

The alabastron's name suggests alabaster, stone. [46] Glass was also used, mostly for fancy small perfume bottles, though some Hellenistic glass rivalled metalwork in quality and probably price.


El Museo J. Paul Getty

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Attic Black-Figure Komast Cup

Painter of Copenhagen 103 (Greek) 9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.) 79.AE.128

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Detalles del objeto

Título:

Attic Black-Figure Komast Cup

Artista / Creador:
Cultura:
Lugar:

Athens, Greece (Place Created)

Medio:
Número de objeto:
Dimensiones:

9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.)

Credit Line:
Título alternativo:

Wine Cup with Revelers (Display Title)

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Tipo de objeto:
Descripción del objeto

Six komasts or revelers dance around the sides of this Athenian black-figure cup. Participants in the singing and dancing after a symposium (male drinking party), komasts were a particularly fitting decoration for a cup used at such an occasion. Komasts have a distinctive vigorous dance. They stand on one leg, with one arm forward and one arm back, and they often hold drinking horns or cups while dancing. Although some dancers wore short padded tunics, most are shown naked, as these are.

Vase-painters portrayed komasts on several types of vessels in the early 500s B.C., but they appeared so frequently on a special form of cup with a deep, curved body, an offset lip, and a short spreading foot that scholars call it a komast cup. These cups were always decorated in a similar way. In addition to the dancers, they all have a floral design under the handles, a simple pattern--usually rosettes--on the lip, a zone of rays above the foot, and a black interior. Komast cups were popular and widely exported from about 580 to 560 B.C.

Procedencia
Procedencia

Malcolm Wiener (New York, New York), donated to the J. Paul Getty Museum, 1979.

Exposiciones
Exposiciones
Paintings on Vases in Ancient Greece (April 11 to September 15, 1980)
Greeks in the Boot: Greek Influence in Ancient Italy as Reflected in the Pottery of Various Regions (October 5, 2013 to May 17, 2014)
  • Robert V. Fullerton Art Museum, California State University, San Bernardino, October 5, 2013 to May 17, 2014
Bibliografía
Bibliografía

Brijder, H.A.G. Siana Cups I and Komast Cups. Amsterdam: 1983, p. 71.

Kirsch, Eva. Greeks in the Boot: Greek Influences in the Italian Peninsula As Reflected in the Pottery of Various Regions, ca. 800-200 B.C., exh. gato. (San Bernardino: California State University San Bernardino, Robert and Frances Fullerton Museum of Art, 2014), Part One Catalog, entry 8, (full-page illustration).

Education Resources
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In this visual arts lesson students develop criteria for value and meaning of ceramic vessels and create a timeline to place objects in history.

Lesson plans exploring ceramic vessels. Students discuss function, historic context, and create their own clay vessels.

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Rustin worked with A. Philip Randolph on the March on Washington Movement, in 1941, to press for an end to racial discrimination in employment. Rustin later organized Freedom Rides, and helped to organize the Southern Christian Leadership Conference to strengthen Martin Luther King Jr.'s leadership and teaching King about nonviolence he later served as an organizer for the March on Washington for Jobs and Freedom.[1] Rustin worked alongside Ella Baker, a co-director of the Crusade for Citizenship, in 1954 and before the Montgomery bus boycott, he helped organize a group, called "In Friendship", amongst Baker, George Lawrence, Stanley Levison of the American Jewish Congress, and some other labor leaders. "In Friendship" provided material and legal assistance to those being evicted from their tenant farms and households in Clarendon County, Yazoo, and other places.[2] Rustin became the head of the AFL–CIO's A. Philip Randolph Institute, which promoted the integration of formerly all-white unions, and promoted the unionization of African Americans. During the 1970s and 1980s, Rustin served on many humanitarian missions, such as aiding refugees from Communist Vietnam and Cambodia. At the time of his death in 1987, he was on a humanitarian mission in Haiti.

Rustin was a gay man, who had been arrested, early in his career, for engaging in public sex (in a parked car),[3] though he was posthumously pardoned. Due to criticism over his sexuality, he usually acted as an influential adviser behind the scenes to civil-rights leaders. In the 1980s, he became a public advocate on behalf of gay causes, speaking at events as an activist and supporter of human rights.[4]

Later in life, while still devoted to securing workers' rights, Rustin joined other union leaders in aligning with ideological neoconservatism, and (after his death) President Ronald Reagan praised him.[5][6][7] On November 20, 2013, President Barack Obama posthumously awarded Rustin the Presidenti


San Ildefonso Pueblo, Po-woh-ge-oweenge

Po-Woh-Geh-Owingeh is the Tewa name for San Ildefonso Pueblo. Significa Where the Water Cuts Through in the Tewa language. Beginning around the 1200s, residents of Mesa Verde began migrating south in search of better water sources. By the 1300s, people living in the Tsankawi area of what is now Bandelier National Monument began moving closer to the Rio Grande for more consistent supplies of water and settled where San Ildefonso is today.

San Ildefonso is the home of the potter Maria Martinez, whose elegantly polished Black-on-black pottery is valued by collectors worldwide. The pueblo is one of the best known of all New Mexico pueblo villages because of the highly skilled male painters-both of pottery and easel art-and the beautiful blackware pottery produced since the early 1900s.

It is generally accepted that the first pueblo painters emerged from San Ildefonso in the year 1900. At that time, San Ildefonso had a population of 138 Tewa-speaking Indians and one non-native resident: elementary school teacher Ester Hoyt, who arrived at San Ildefonso in 1900 and departed in 1907.

Hoyt provided her students with watercolor paints and paper and told them to paint pictures of pueblo ceremonial dances. At the time, the government's policies were intended to discourage students from embracing their Native culture. Why would a government teacher go against government policy? Perhaps she was looking for a way to understand her pupils through their lifeways and to win their confidence so she could comply with government policies. Alternately, she perhaps did not agree with government policy and chose to teach in her own manner. In this small classroom, a generation of talented artists came into existence. Her first-year class included Tonita Peña, Alfredo Montoya, Alfonso Roybal, Santana Roybal (later, Martinez), Abel Sanchez and Romando Vigil.

For more than 100 years, San Ildefonso has been the center of tradition and innovation.

The pueblo is located twenty-two miles northwest of Santa Fe, New Mexico. Its Feast Day is January 23rd honoring their patron saint: San Ildefonso.


Presidente Garfield asesinado. El presidente Garfield recibió un disparo el 2 de julio y murió el 19 de septiembre. El vicepresidente Chester A. Arthur (republicano) sucedió a Garfield como presidente.

Fundación del Instituto Tuskegee. Booker T. Washington se convirtió en el primer director del Instituto Tuskegee en Tuskegee, Alabama, el 4 de julio. Tuskegee se convirtió en la principal institución de formación profesional para afroamericanos.

Segregación del transporte público. Vagones de ferrocarril segregados de Tennessee, seguidos de Florida (1887), Mississippi (1888), Texas (1889), Luisiana (1890), Alabama, Kentucky, Arkansas y Georgia (1891), Carolina del Sur (1898), Carolina del Norte (1899) , Virginia (1900), Maryland (1904) y Oklahoma (1907).

Ley de derechos civiles revocada. El 15 de octubre, la Corte Suprema declaró inconstitucional la Ley de Derechos Civiles de 1875. El Tribunal declaró que la Decimocuarta Enmienda prohíbe a los estados, pero no a los ciudadanos, discriminar.

Sojourner Truth muere. Sojourner Truth, un abolicionista valiente y ardiente y un orador brillante, murió el 26 de noviembre.

Un golpe político y una revuelta racial. El 3 de noviembre, los conservadores blancos en Danville, Virginia, tomaron el control del gobierno local, integrado racialmente y elegido popularmente, matando a cuatro afroamericanos en el proceso.

Linchamientos. Se sabe que 53 estadounidenses negros fueron linchados en 1883.

Cleveland elegido presidente. Grover Cleveland (demócrata) fue elegido presidente el 4 de noviembre.

Linchamientos. Se sabe que cincuenta y un estadounidenses negros fueron linchados en 1884.

Un obispo episcopal negro. El 25 de junio, el afroamericano Samuel David Ferguson fue ordenado obispo de la Iglesia Episcopal.

Linchamientos. Se sabe que setenta y cuatro estadounidenses negros fueron linchados en 1885.

La masacre de Carrollton. El 17 de marzo, 20 estadounidenses negros fueron masacrados en Carrollton, Mississippi.

El trabajo organiza. La Federación Estadounidense del Trabajo se organizó el 8 de diciembre, lo que marcó el surgimiento del movimiento sindical. Todos los sindicatos importantes de la época excluyeron a los estadounidenses negros.

Linchamientos. Se sabe que setenta y cuatro estadounidenses negros fueron linchados en 1886.

Dos de los primeros bancos afroamericanos. Dos de los primeros bancos de propiedad de negros de Estados Unidos, el Savings Bank of the Grand Fountain United Order of the Reformers, en Richmond, Virginia, y el Capital Savings Bank de Washington, DC, abrieron sus puertas.

Harrison fue elegido presidente. Benjamin Harrison (republicano) fue elegido presidente el 6 de noviembre.

Linchamientos. Se sabe que 69 estadounidenses negros fueron linchados en 1888.

Censo de 1890.
Población de EE. UU .: 62,947,714
Población negra: 7.488.676 (11,9%)

La Liga Afroamericana. El 25 de enero, bajo el liderazgo de Timothy Thomas Fortune, se fundó en Chicago la militante Liga Nacional Afroamericana.

Los afroamericanos están privados de sus derechos. El Plan Mississippi, aprobado el 1 de noviembre, utilizó pruebas de alfabetización y "comprensión" para privar de sus derechos a los ciudadanos estadounidenses negros. Los estatutos similares fueron adoptados por Carolina del Sur (1895), Luisiana (1898), Carolina del Norte (1900), Alabama (1901), Virginia (1901), Georgia (1908) y Oklahoma (1910).

Se elige a un supremacista blanco. El populista "Pitchfork Ben" Tillman fue elegido gobernador de Carolina del Sur. Llamó a su elección "un triunfo de la supremacía blanca".

Linchamientos. Se sabe que ochenta y cinco estadounidenses negros fueron linchados en 1890.

Grover Cleveland elegido presidente. Grover Cleveland (demócrata) fue elegido presidente el 8 de noviembre.

Linchamientos. Se sabe que ciento sesenta y un estadounidenses negros fueron linchados en 1892.

La huelga de Pullman. La huelga de Pullman Company provocó una crisis de transporte nacional. El 11 de mayo, la empresa contrató a afroamericanos como rompehuelgas.

Linchamientos. Se sabe que ciento treinta y cuatro estadounidenses negros fueron linchados en 1894.

Douglass muere. El líder y estadista afroamericano Frederick Douglass murió el 20 de febrero.

Un motín racial. Los blancos atacaron a los trabajadores negros en Nueva Orleans del 11 al 12 de marzo. Murieron seis negros.

El compromiso de Atlanta. Booker T. Washington pronunció su famoso discurso del "Compromiso de Atlanta" el 18 de septiembre en la Exposición de los Estados del Algodón de Atlanta. Dijo que el "problema de los negros" se resolvería mediante una política de gradualismo y acomodación.

La Convención Nacional Bautista. Varias organizaciones bautistas se combinaron para formar la Convención Nacional Bautista de los EE. UU. La iglesia Bautista es la denominación religiosa negra más grande de los Estados Unidos.

Linchamientos. Se sabe que ciento trece estadounidenses negros fueron linchados en 1895.

Plessy contra Ferguson. La Corte Suprema decidió el 18 de mayo en Plessy contra Ferguson que las instalaciones "separadas pero iguales" satisfacen las garantías de la Decimocuarta Enmienda, dando así sanción legal a las leyes de segregación de Jim Crow.

Las mujeres negras se organizan. La Asociación Nacional de Mujeres de Color se formó el 21 de julio. Mary Church Terrell fue elegida presidenta.

McKinley elegido presidente. El 3 de noviembre, William McKinley (republicano) fue elegido presidente.

George Washington Carver. George Washington Carver fue nombrado director de investigación agrícola en el Instituto Tuskegee. Su trabajo avanzó en el cultivo de maní, camote y soja.

Linchamientos. Se sabe que setenta y ocho estadounidenses negros fueron linchados en 1896.

Academia Americana de Negros. La American Negro Academy se estableció el 5 de marzo para fomentar la participación afroamericana en el arte, la literatura y la filosofía.

Linchamientos. Se sabe que ciento veintitrés estadounidenses negros fueron linchados en 1897.

La guerra hispanoamericana. La Guerra Hispano-Estadounidense comenzó el 21 de abril. Se reclutaron dieciséis regimientos de voluntarios negros, cuatro de ellos vieron combate. Cinco estadounidenses negros ganaron medallas de honor del Congreso.

El Consejo Nacional Afroamericano. Fundado el 15 de septiembre, el Consejo Nacional Afroamericano eligió al obispo Alexander Walters como su primer presidente.

Un motín racial. El 10 de noviembre, en Wilmington, Carolina del Norte, ocho estadounidenses negros murieron durante los disturbios de los blancos.

Compañías de seguros de propiedad negra. Se establecieron North Carolina Mutual and Provident Insurance Company y National Benefit Life Insurance Company de Washington, DC. Ambas empresas eran propiedad de negros.

Linchamientos. Se sabe que ciento un estadounidenses negros fueron linchados en 1898.

Una protesta por linchamiento. El Consejo Afroamericano designó el 4 de junio como día nacional de ayuno para protestar contra linchamientos y masacres.

Linchamientos. Se sabe que ochenta y cinco estadounidenses negros fueron linchados en 1899.

Censo de 1900.
Población de EE. UU .: 75.994.575
Población negra: 8.833.994 (11,6%)

Linchamientos. Se sabe que ciento seis estadounidenses negros fueron linchados en 1900.

Una feria mundial. Se llevó a cabo la Exposición de París y el pabellón de Estados Unidos albergó una exposición sobre estadounidenses negros. La "Exposition des Negres d'Amerique" ganó varios premios a la excelencia. La colección de obras de Daniel A. P. Murray de y sobre estadounidenses negros se desarrolló para esta exposición.

Los siguientes trabajos fueron fuentes valiosas en la compilación de esta Línea de tiempo: Lerone Bennett's Antes del Mayflower (Chicago: Johnson Publishing Co., 1982), W. Augustus Low y Virgil A. Clift's Enciclopedia de la América negra (Nueva York: Da Capo Press, 1984) y Harry A. Ploski y Warren Marr's El Almanaque Negro (Nueva York: Bellwether Co., 1976).


Ver el vídeo: Del boceto a la figura cerámica